CINE

RALPH EL DEMOLEDOR, historia de una amistad muy peculiar.

Si hay algo especial sobre la verdadera amistad es que hace que aflore lo mejor de nosotros mismos...si pensamos en nuestros amigos, encontramos que nos unen algunas cosas en común aun siendo diferentes.  En la película animada de Walt Disney, "Ralph el demoledor", descubrimos una amistad así en dos personajes que, aparentemente, no tienen nada en común, salvo que ambos son rechazados y llevan vidas incomprendidas, solitarias.

La historia es peculiar, nos sorprende al sumergirnos en la vida de los protagonistas de videojuegos del arcade (máquinas accionadas por monedas, muy populares antes de la llegada del nintendo).

Precisamente uno de estos personajes, Ralph, demoledor profesional, cansado de ser villano decide demostrar que también puede ser bueno.  Así comienza su aventura paseando de un videojuego a otro, en busca de una acción heroica que lo reivindique; en el camino se encuentra con Vanellope, una dulce niñita que, supuestamente, es una falla del juego de carreras Sugar Rush,  quien necesita ayuda para ganar y volver a su estado normal.

 

Luego de divertidas situaciones en las que se pone a prueba la amistad y tras lidiar con oscuros personajes del mundo del videojuego, Ralph se convierte en el héroe y mejor amigo de Vanellope.

A pesar de continuar siendo un rudo demoledor, se gana el respeto de sus compañeros de juego.

La historia de "Ralph, el demoledor", encierra un bonito mensaje: no olvidar cuales son los sólidos lazos de una verdadera amistad (aunque seamos diferentes y no haya un contacto constante); también nos enseña que las apariencias a veces nos engañan porque, dentro de un grandulón con cara de malo se puede esconder una persona dispuesta a dar mucho amor y, una frágil figura, podría albergar el valor que se necesita para transformar un mundo.

ÓPERA

Un infalible Elixir de Amor

Nemorino escucha, embelesado, a Adina.

El argumento de El elixir del amor, ópera de Gaetano Donizetti, nos atrapa desde el comienzo. Esta comedia que encierra también una tierna historia, por momentos desesperanzadora y a veces alegre, nos cuenta la desventura de Nemorino (Matthew Polenzani) un inocente joven que se enamora de Adina (Anna Netrebko), la hermosa, caprichosa y adinerada mujer que lo desprecia. Para ganar su amor, Nemorino acude al doctor Dulcamara (Ambrogio Maestri) quien le proporciona un elixir que le asegura el amor incondicional de cualquier mujer, pócima que es solo vino. Convencido, Nemorino paga todo lo que tiene por el brebaje, lo toma y espera que su amada le corresponda, aunque ella haya decidido casarse con el sargento Belcore (Mariusz Kwiecien). Al ver que nada sucede Nemorino se enlista en el ejército a cambio de dinero para comprar más elixir.



Belcore, osado conquista a Adina.



Antes de su boda con el militar, Adina descubre el sacrificio de Nemorino, quien dio todo lo que poseía, incluso su libertad, a cambio del poderoso elixir, esta prueba de amor la convence y la anima a expresar el cariño que secretamente ella también siente por Nemorino, finalmente Adina se confiesa y le jura amor eterno, resolviendo, con un feliz desenlace, esta encantadora historia.

Esta obra de Donizetti, posee entrañables momentos musicales que incluye una partitura reconocida por todos los públicos; el comienzo, la hermosa aria de Nemorino Quanto e bella que dedica a Adina, ha sido interpretada innumerables veces, pero es sin duda Una furtiva lágrima la que merece admiración total, esta aria, que fue cantada magníficamente por el tenor Matthew Polenzani mereciéndole un interminable aplauso del público, forma parte del repertorio de los tenores más famosos del mundo, una parte de su letra dice: una furtiva lágrima vi asomar en sus ojos... y con ella renace la esperanza de mi amor, hermosa.



El doctor Dulcamara en la boda de Adina.



Es claro que este elixir no existe (era sólo un delicioso vino) pero, como lo canta Adina el mejor elixir de amor es una mirada, una sonrisa, una caricia…lo es también el sacrificio, inocencia y sinceridad del verdadero amor; pero qué es el amor sin un poco de osadía, por eso el valiente sargento Belcore llama la atención de las mujeres, para él en la guerra como en el amor titubear puede ser un error fatal…estas son algunas de las frases que se cantan en El elixir de amor y que la hacen una de las óperas preferidas de todos los tiempos.

Finalmente el triunfo del amor.



Definitivamente una apertura de lujo para la nueva temporada del Metropolitan Opera House de Nueva York, que apenas empieza e incluye títulos como Otello, Aída y Rigoletto, una delicia musical que, para beneplácito de los amantes de la ópera, transmite desde hace varios años, en directo el UVK de Larcomar, una gran oportunidad para darle oxígeno a nuestros ojos y oídos.

cine

Valiente, una historia con valor

Cuando se es adolescente no se piensa en las consecuencias de las acciones, sólo se actúa siguiendo los impulsos, eso sucede porque se está apenas a la ribera del camino de la vida. De eso puede dar fe Mérida, la intrépida protagonista de Valiente, que desea cambiar su destino porque lo considera injusto, limitante y contrario a su espíritu soñador, libre, aventurero.

Valiente, es la historia de Mérida, una rebelde princesa que se ve obligada a llevar una vida de perfección impuesta por su madre, la estricta reina Elinor, quien, sin tomar en cuenta sus deseos, la prepara para ser como ella, pensando que es lo mejor. Las cosas empeoran cuando llega el momento de comprometer en matrimonio a la princesa, quien se niega, enfrentando a su madre.

Buscando cambiar la forma de pensar de la reina, Mérida consigue un hechizo que, accidentalmente, transforma a su madre en una osa gigante, es entonces que ambas buscan juntas una cura para el maleficio, descubriendo en el camino las cosas que tienen en común y la clave para solucionar sus diferencias: dejar el orgullo de lado y aprender a escuchar.

Es inevitable que veamos retratada una parte de la vida en este simpático dibujo animado que, al saber interpretarlo y no tomarlo sólo como mero entretenimiento, nos revela un mensaje que muchas veces nos puede ayudar en la vida real.

cine

Madagascar 3, una historia animada de humor con una motivadora enseñanza: creer en uno mismo.

Desde su primera entrega, en el 2005, los creadores de Madagascar nos han ofrecido un humor bastante entretenido e inteligente, apto para chicos y grandes. Las peculiares personalidades de sus protagonistas atrapan al espectador y es inevitable sentirse identificado con alguno de ellos.

A diferencia de otras sagas, sus guionistas se las han arreglado para hacer una igual o hasta más divertida que la otra, manteniendo la calidad, las risas y el éxito en la taquilla.

La vanidad de Alex, el león; la vitalidad y espíritu aventurero de Marty, la cebra; la sensualidad y racionalidad de Gloria, la hipopótamo; el temeroso e hipocondríaco Melman, la jirafa; sumados a una criminal pandilla de pingüinos, algunos alocados monos y disparatados lemures, hacen de cada aventura en la pantalla una historia deliciosa para disfrutar, reír a carcajadas y, de paso, reflexionar.

En esta última aventura, Alex, Marty, Gloria y Melman, se encuentran con los animales de un circo destinado al fracaso y les enseñan a volver a creer en sus capacidades, así sortean un sin número de vicisitudes y escapan de la crueldad de una desequilibrada policía de control de animales para volver al zoológico de Nueva York.  Allí descubren lo inesperado, ansían su libertad. Finalmente la encuentran…con sus nuevos amigos del circo. Sumamente recomendable.

cine

Plan perfecto

Ni el amor, ni cualquier otro sentimiento se puede planificar, es algo que fluye natural e inevitablemente. Esta idea se nos puede colar en la cabeza luego de ver el Plan perfecto (Friends with kids).  En esta, poco común historia, una pareja de amigos Julie y Jason, decide engendrar un hijo, sin matrimonio ni compromisos, y, hacer de esa experiencia algo diferente a las rutinarias vidas que conocen, donde las parejas sufren serias transformaciones que terminan con la armonía y la pasión, a la llegada de los hijos.

Todo parece salir bien en su proyecto, hasta que ella descubre que está enamorada del padre de su hijo, que es además su mejor amigo y confidente, sentimiento que no es correspondido porque él se siente atraído por una sexy bailarina que acaba de conocer. A partir de aquí la película da un vuelco y nos revela un nuevo panorama en las relaciones: están las que comienzan, las que se resisten a terminar y las que mueren irremediablemente.

Finalmente, Jason se da cuenta que también ama a Julie, cuando escucha el consejo de quien ha fracasado en el amor: las parejas deben ser buenos amigos y, a pesar de sus diferencias, deben ser compatibles para disfrutar lo bueno y para superar lo malo; quizá mucho más en esto último porque es lo que, tarde o temprano, puede acabar con un gran amor.

Ópera

Ana Bolena

Anna Netrebko como Ana Bolena.

Es muy agradable contar una historia, pero es mucho más maravilloso cantarla. En el año 1830, el compositor italiano Gaetano Donizetti estrenó por primera vez Ana Bolena, ópera en dos actos que narra la desdichada vida de la segunda esposa de Enrique VIII Rey de Inglaterra. El año pasado el Metropolitan Opera House de Nueva York (MET) abrió su temporada 2011-2012 con este drama operístico, teniendo entre sus principales voces a la soprano rusa Anna Netrebko en el papel de Ana Bolena, el barítono Ildar Abdrazakov como Enrique VIII, la mezzosoprano Ekaterina Gubanova interpretó a Jane Seymour y el tenor Stephen Costello como Lord Percy.

En la obra, Donizetti nos sitúa en el último capítulo de la vida de la reina: repudiada por su esposo Enrique VIII por una supuesta infidelidad, traicionada por su leal dama Seymour, quien se convierte en la amante del rey; presa de confusos sentimientos hacia Percy, su primer amor y condenada a muerte. Ana Bolena ha sido motivo de importantes referentes literarios, cinematográficos y teatrales, pero, es con el género de la ópera, con el que el espectador puede revivir el verdadero infortunio de los protagonistas de este interesante episodio de la monarquía inglesa.

Ildar Abdrazakov como Enrique VIII.

La interpretación de Anna Netrebko estuvo soberbia, potente, nos reveló una soberana que linda entre la dureza de su orgullo y la flaqueza de sus sentimientos; quien, a pesar de abandonar por momentos la cordura, se mantuvo firme y prefirió perder la vida para conservar el honor. El tenor Stephen Costello, en el papel de Lord Percy fue también sorprendente, su voz y desenvolvimiento mantienen el tono dramático y desesperado de sus sentimientos burlados. Ambos fueron los más aplaudidos por el público.

La dirección del maestro Marco Armiliato a la cabeza de la orquesta del MET, fue estupenda, la partitura musical se sintió con mucha fuerza y soltura, la escenografía y el vestuario estuvieron espectaculares, con aires de sobriedad y misterio, completando el sentido trágico de la historia. Sin duda, una obra que apasiona por el ímpetu de sus interpretaciones, el ritmo se su drama y su implícita riqueza histórica.

Ópera

Soprano Elisabete Matos, Turandot.

Turandot, el triunfo del amor

Cuando leí en el diario que presentarían Turandot, en vivo, en Lima, tuve que releer varias veces la noticia para darle crédito a lo que veía. Aunque nuestra ciudad se ha convertido en un escenario habitual para la ópera, esta obra, una de las más importantes y hermosas, es tan ambiciosa como exigente, por ello su puesta en escena es un regalo para el público limeño.

Tal acontecimiento debe agradecerse a la Universidad San Martín de Porres y la Asociación Romanza, que presentan esta inmortal creación de Giacomo Puccini en el marco del 50º aniversario de fundación de dicha casa de estudios.

Los roles principales fueron interpretados por la soprano portuguesa Elisabete Matos como la cruel princesa Turandot, el tenor ruso Sergey Nayda como el príncipe Calaf, la soprano japonesa Miki Mori como la dulce y sacrificada Liu y, el barítono Rubén Amoretti como el rey Timur, padre de Calaf.

El argumento es el siguiente: la ciudad de Pekín está triste porque un decreto real obliga a los pretendientes de la princesa Turandot a pasar una severa prueba para conseguir su mano o morir decapitados. Calaf, un príncipe extranjero se enamora perdidamente y acepta resolver los acertijos, su habilidad le permite salir airoso pero, ante el rechazo de Turandot, este le propone un último enigma, ella debe adivinar el nombre del príncipe, así se librará del matrimonio y tomará su vida como recompensa.

Tenor Sergey Nayda en el papel de Calaf.

La malvada soberana obliga a Liu, la sirvienta enamorada secretamente del príncipe, a confesar el nombre, pero ella se quita la vida antes de traicionar a su señor, este hecho remueve la conciencia y los sentimientos de Turandot. Calaf le confiesa su nombre, ya sin ninguna esperanza de ser correspondido, sin saber que su pasión ha derretido el hielo en el corazón de la princesa. Finalmente Turandot promulga el verdadero nombre del príncipe, ella lo llama amor.

La puesta en escena que acabamos de apreciar en Lima es meritoria, el escenario, la música de la Orquesta Sinfónica Nacional, las voces del Coro Nacional y las coreografías del Ballet Nacional consolidaron la impecable calidad de la presentación.

Ballet Nacional

Los intérpretes estuvieron a la altura, el desempeño de las sopranos fue excepcional, lo agradecimos con interminables aplausos; Elisabete Matos se lució con la fría Turandot pero fue Miki Mori quien se robó al público como una dulce y valiente Liu.

Puccini falleció antes de culminar esta magistral ópera, la última de su vasta obra, pero le imprimió lo necesario para cerrar sus creaciones, las que aún estremecen al público; él como nadie describe la dicha, la locura y la tragedia del amor.

En Turandot, Puccini nos dice que no importa cuanto hagamos para escapar, porque al final, hasta el corazón más frío termina cediendo, rendido ante el amor.

cine

La bella y la bestia

Si somos muy soñadores y tenemos que escoger un cuento de Disney como favorito, de seguro que sería este. La bella y la bestia, peculiar historia de amor que encierra una importante enseñanza: la verdadera belleza está siempre en el interior.

Este cuento, además de ser hermoso, es tomado como ejemplo para analizar ciertos comportamientos en las relaciones humanas. De origen europeo, la historia es adaptada por la Disney y llevada al cine por primera vez en el año 1991. Hoy, vuelve a las pantallas en versión 3D, una gran oportunidad para revivir el atípico romance entre una soñadora joven y un despiadado monstruo, quienes nos enseñan el auténtico significado del amor…

…que es encontrar la belleza oculta; transformar, como por arte de magia, un horrible defecto en algo hermoso que sólo ven los ojos del corazón, porque cuando Bella se enamora de la Bestia, no tiene la menor idea de que en realidad, es humano. Ella lo ama porque descubre que, en el fondo de ese disfraz que asusta, vive un verdadero príncipe que sólo el amor puede ver.

La bella y la bestia es el cuento favorito de los soñadores porque posee el misterio y encanto que, casi siempre, rodea al verdadero amor.

Ópera

Don Carlo

Desde su reinauguración, el teatro Municipal ha sido escenario de aclamados eventos operísticos, Don Carlo es el último de ellos. Esta magnífica obra del compositor italiano Giuseppe Verdi, narra una conmovedora historia de amor, llena de sentimientos atrapados y engaños; es también  una obra de contexto político matizada entre la lealtad y la ambición.

El argumento nos habla del amor que siente Don Carlo por Isabel, princesa de Francia, quien corresponde a sus sentimientos con la misma pasión, pero, por razones políticas, contrae matrimonio con el rey Felipe II de España, padre de Don Carlo.  El sufrimiento de Don Carlo, es consolado por su fiel amigo Rodrigo, quien encuentra la muerte como respuesta a su lealtad a ambos soberanos.

Las intrigas políticas entre el rey y el Inquisidor, acentúan el tono dramático de la obra; la sensualidad y descaro de la princesa de Eboli, atraída por Don Carlo y amante de Felipe II, terminan con la venganza que marca el desenlace de la ópera. “Las guerras del amor se libran en el cielo”, es el canto que acompaña la inesperada muerte de Don Carlo, quien es arrastrado a una tumba por el fantasma de su abuelo.

Una puesta en escena, impecable, entrañables interpretaciones de las arias más hermosas que ha dado la ópera italiana. Si la historia en verdad fue conmovedora, lo fueron más las voces; el público aplaudió interminablemente, y, con especial emoción el dúo entre Don Carlo y Rodrigo “Dios, que en el alma infundes (amor, esperanza…libertad)”, uno de los dúos más extraordinarios, un verdadero regalo para los oídos.

Ballet

La Cenicienta

El elenco del Ballet Municipal de Lima, está conformado, en su mayoría, por jóvenes bailarines, pero no por ello poco experimentados. Bajo la batuta de su directora Lucy Telge, ellos presentan hasta tres o cuatro obras al año para deleite de quienes gustan de esta exquisita expresión artística.



Elenco de La Cenicienta.



Su última puesta en escena fue La Cenicienta con música de Serguei Prokofiev, basada en el cuento del mismo nombre. Con un argumento muy conocido por todos, esta obra tiene juguetones y tiernos pasajes que hacen la delicia de niños y adultos, además contó con una correcta escenografía y sencillo pero expresivo vestuario. La coreografía estuvo a cargo del maestro ruso Boris Miagkov quien viene trabajando con el elenco del Ballet Municipal desde hace dos años.

La Cenicienta que vimos en el Teatro Municipal fue un espectáculo de lograda calidad, como ya es característica de todas las puestas en escena del Ballet Municipal. La historia de la joven pobre, pero de noble corazón, que recibe un regalo de su hada madrina y conquista el amor del gallardo príncipe, fue magníficamente representada por los bailarines y nos hizo recordar nuestra época de niñez, cuando empezabamos a conocer el significado del amor.

Al finalizar la presentación, la voz de la directora, Lucy Telge, nos invitó a presenciar la nueva temporada, que debe estar iniciando en el mes de julio, con La Bella Durmiente, este precioso ballet de Peter Ilich Tchaikovsky, que tiene una de las orquestaciones mejor logradas por el afamado compositor ruso. A no perdérsela.

Ópera

La Traviata

“…el amor es rápido y fugitivo.
Es una flor que nace y muere
y del cual no siempre se puede disfrutar.”
                              Violetta en el Brindis.

Tenía muchas expectativas por escuchar a la soprano francesa Natalie Dessay interpretando a Violetta Valery, personaje principal de La Traviata, uno de mis personajes femeninos favoritos de entre todas las óperas, pero su desempeño vocal no fue lo que esperaba, aún así siempre es un deleite escuchar La Traviata.  Esta obra fue transmitida en vivo y en directo en el UVK Larcomar, desde el Metropolitan Opera House de Nueva York, cerrando las transmisiones de la temporada 2011-2012, el pasado 14 de abril.

Verdi compuso La Traviata inspirado en la novela de Dumas, La Dama de las Camelias; la historia, romántica y trágica, narra la desventura de Violetta, una alegre cortesana de vida desenfadada, aquejada de un mal incurable; ella, luchando contra su ímpetu, se enamora y pronto debe renuncia al amor, que era lo único que la mantenía con vida, para salvar de la ruina y la vergüenza a su amado Alfredo Germont (Matthew Polenzani, tenor)

La Traviata es la ópera de Verdi que más veces ha sido interpretada y también una de las más populares, tiene preciosas arias, entrañables coros y la música es excepcional; empezando con el preludio de una orquestación melancólica que introduce al oyente en un ambiente de ambivalencia entre la fastuosidad y la libertad del placer de vivir y disfrutar sin ataduras y, el compromiso del amor como una fuerza incontenible que escapa a la voluntad de los enamorados.

Violetta logra alejar a Alfredo de su vida pero no de su corazón y ese dolor termina por matarla, pero antes de morir, disfruta con brevedad del amor y, agonizante, siente que podría ser feliz, pero esa paz no es más que la cercanía del fin de una vida entera de placer y del breve suspiro del amor.

concierto

Juan Diego Florez, el concierto

Juan Diego cantó hace unas semanas en Lima y su voz aun resuena en los oídos de quienes asistimos a su concierto, con un tono potente y dulce a la vez; este tenor lírico ligero ha logrado impactar en los escenarios operísticos más famosos del mundo causando la admiración de quienes se deleitan con su arte y carisma.

La noche del martes 10 de abril, hubo una gran expectativa por los temas que interpretaría, el público presente tenia sus preferidos, entre ellos yo que me sentí más que complacida al escucharlo entonar Granada, La flor de la canela y la Donna e Mobile, siendo esta última aria de la ópera Rigoletto, una sorpresa que no esperaba, pero que sí deseaba escuchar. La selección de temas criollos, folklóricos y latinoamericanos fue precisa.

Otro talentoso peruano que triunfa en el mundo acompañó a Juan Diego, Marco Zunino, quien estuvo a la altura del tenor; su participación sorprendió, su soltura y calidad vocal impactó, definitivamente un invitado de lujo.

Juan Diego es grande no sólo por el don de su privilegiada voz, su calidad humana al llevar adelante la orquesta “Sinfonía por el Perú” es loable, el acompañamiento musical y las piezas que los jóvenes integrantes de este conjunto nos ofrecieron, bajo la batuta del maestro Espartaco Lavalle, sonaron imponentes, lo que nos demuestra que, el talento, el entusiasmo y las ganas de superación, son la riqueza mayor de estos jóvenes de escasos recursos materiales.

Escuchar este concierto fue una delicia musical como pocas, despedimos a Juan Diego con interminables aplausos cuando repitió para nosotros Ojos Azules y Valicha, los temas más aplaudidos de la noche, que fueron interpretados con pasión y elegancia por un peruano notable y muy orgulloso de serlo, orgullo que supo instalar en los corazones de quienes lo escuchamos en esta grandiosa velada.

Teatro: El Próximo Año a la Misma Hora

El amor, un mismo sentimiento con diferentes historias. Para que exista una historia de amor, basta con dos personas enamoradas y alguna circunstancia que impida que ese amor se viva a plenitud. En El próximo año a la misma hora, la obra de teatro dirigida por Oswaldo Cattone y protagonizada por Gianella Neyra y Diego Bertie, los personajes se ven envueltos en un súbito arrebato de pasión que, sin ellos aceptarlo, se convierte en un fuerte lazo de amor que los une durante más de veinte años.

George y Doris se conocen un día y se sienten atraídos, pasan una noche juntos y acuerdan verse todos los años bajo las mismas circunstancias; ellos encuentran en los breves momentos que se brindaban, un escape para sus vidas rutinarias, en sus diálogos el espectador puede adivinar la carencia de algo importante, aceptan sus realidades, ambos tenían esposos e hijos y los amaban, pero había una complicidad que compartían que los hacía sentirse amados, felices, vivos…

 

El próximo año a la misma hora es como muchas historias de amor imposible, que se vive a la distancia, en silencio, que llena y deja un gran vacío a la vez en cada separación, pero se siente en el alma y en la piel, como la cosa más cercana y real de nuestras vidas…sin duda unos de los tantos misterios de ese sentimiento llamado amor.

cine, El Artista

Desde la primera escena de El Artista, parece que entramos a una máquina del tiempo que nos lleva a los albores del siglo XX. Esta película europea, ganadora del Oscar 2012, filmada en un blanco y negro total y, además muda, cuenta la historia de George Valentin (Jean Dujardin) una súper estrella del cine mudo que se resiste a la modernidad de los filmes sonoros y por orgullo cae en la ruina total.

Detrás de esta historia y sin distraer del mérito de lograr un suceso cinematográfico con las técnicas usadas a principios del siglo pasado, se esconde una dulce historia de amor entre Valentino y su joven admiradora Peppy Miller (Berenice Bejo), una estrella en ascenso que se enamora platónicamente de él y conserva su amor para salvarlo de la adversidad.

El filme es un tributo al cine clásico, actuaciones muy expresivas en los gestos, un permanente y efectivo acompañamiento musical que atrapa al espectador sin darle opción a extrañar las voces de los actores y los efectos sonoros, que no hacen falta para llevar el hilo de la historia.

Ver esta película es una delicia para disfrutar del cine en sus inicios; sencilla y con memorables actuaciones, El Artista sorprende por su valiente sobriedad que cautiva; una muestra real del buen cine, alejado de pomposos efectos y complicados argumentos.

música, Cuarto concierto de la Orquesta Sinfónica

Una de las mejores maneras de terminar la semana: escuchar a la Orquesta Sinfónica Nacional en sus presentaciones de la temporada verano, otoño e invierno 2012, como siempre los viernes a las 08:00 pm en el Museo de la Nación.

Maestra Zoila Vega Salvatierra.

El pasado viernes 02 de marzo, se contó con la participación de una directora invitada, Zoila Vega Salvatierra, y el solista de saxofón Ademir Herbozo López, ganador del concurso de jóvenes solistas 2011.

La primera presentación, Orfeo en los infiernos, del compositor alemán Jacques Offenbach, lo tuvo todo, preciosos violines, alegre percusión, una magnífica concordancia entre conducción y ejecución terminó en el apoteósico final del famoso "can can" que invita a moverse al menos imaginariamente.

La segunda pieza fue un Legende para saxofón, interpretado por Herbozo, su saxofón se mimetizó de inmediato con la orquesta. Le siguió el intermezzo de La Boda de Luis Alonso del compositor español Gerónimo Giménez, un recordado y precioso fragmento de esta zarzuela lleno de alegres compases, escucharlo siempre me hace sonreír.

Del arequipeño Manuel Aguirre, la Sinfónica interpretó Munawankichu (¿Me quieres?), pieza que el público reconoció de inmediato. Finalmente la suite sinfónica de la banda sonora de la popular película Piratas del Caribe, la maldición del Perla Negra, cerró la noche, completando la velada que estuvo impecable, con acordes para alegrarse, vibrar, emocionarse y no dejar de mover la cabeza; un aplauso extra para la percusión que estuvo fenomenal.

Concertino de la OSN María Foust.

cine, Caballo de guerra

La entrañable historia de un joven inglés y su caballo, es la médula de esta película cuyo actor principal, Joey es un hermoso, fuerte e inteligente caballo que tiene la nobleza del animal criado con respeto y amor. Su dueño Albert (Jeremy Irvine), le brinda un cariño de hermano que marcará su vida, salvándolo de las peores situaciones. Separados por la guerra, ambos siguen sus destinos con la poca esperanza de poder reencontrarse, lo que sucederá cuatro años después, al finalizar la primera guerra mundial.

La historia tiene pasajes realmente dramáticos que tocan las fibras de la sensibilidad, Joey pasa de ser un caballo de campo criado con amor, para envolverse en una sangrienta guerra, en la que enfrenta mucha brutalidad, pero también compasión.

Las películas que presentan la interrelación de personas y animales a menudo traen un mensaje de humanidad; al ver la historia de Joey lo entendemos porque su indomable carácter es moldeado por la paciencia y el cariño de un amable joven, esa actitud hace pensar en el respeto que le debemos a los animales, el mismo que será devuelto con creces para la armonía de nuestra coexistencia.

Caballo de Guerra es dirigida por Steven Spielberg, no es de extrañar que la sensibilidad nos aflore con facilidad; la preciosa fotografía y la música compuesta por John Williams, son lo mejor de la película, le imprimen una valiosa paz y dramatismo audiovisual. Uno de los estrenos más importantes del año para disfrutarla con todos los sentidos.

cine, La invención de Hugo

"El mundo es como una gran máquina y como toda máquina tiene solo las piezas que necesita para funcionar, no tiene una pieza de más; así también todo lo que existe en el mundo tiene un propósito, una razón para estar aquí. Cuando una máquina no funciona, está callada, se ve triste porque no está cumpliendo el propósito para el que fue creada. Las personas que ya no “funcionan” bien, han perdido su propósito en la vida, tienen una existencia infeliz"

Me gusta mucho esta explicación que Hugo Cabret (Asa Butterfield) hace de su vida, él tiene un propósito, reparar al autómata que su padre (Jude Law), arreglaba para él antes de fallecer, así espera descubrir algún mensaje de su padre y acabar con la soledad.  La historia de Hugo es triste pero esperanzadora, es la historia de un niño que cambia la vida de una persona esclavizada por malos recuerdos, quien sepultó para siempre su talento, su ingenio, su capacidad para hacer los sueños realidad, el gran cineasta Georges Melies (interpretado por un memorable Ben Kingsley).

Dirigida por Martin Scorsese, La invención de Hugo es la película que todo amante del cine debe ver, nos remonta a los inicios de la industria cinematográfica gracias a Melies, visionario, mago, artista, inventor, quien vio más allá de la mera transmisión de imágenes y dio inicio a la más grande fábrica que crea sueños y enseña a soñar: el cine.

La película no es ambiciosa ni grandilocuente, pero es todo lo que debe ser una película: una historia que conmueve con muy buenas actuaciones, deslumbrantes y a la vez mesurados efectos especiales y un final feliz. Con esta película, Martín Scorsese logra llevar a la pantalla un precioso poema sobre la vida.

cine, La dama de hierro

"Ten cuidado con tus pensamientos porque algún día te convertirás en aquello que piensas". Margaret Thatcher escuchó esa frase de su padre siendo apenas una adolescente y decidió seguir su destino, convertirse en aquello que siempre tuvo en mente. En una época en que las mujeres optaban por las labores cotidianas, la joven Maggi estudió en la universidad de Oxford y empezó su carrera política integrando el partido demócrata. Formó una familia a la que pudo sacar adelante, a pesar de su agitada carrera, gracias al valioso apoyo de su esposo y, como Primera Ministra de Inglaterra, instauró cambios revolucionarios en la política y la economía de su país, ganando simpatías y rechazos.

La historia de la dama de hierro, llega al cine para presentarnos a la mujer detrás de la mandataria. La película empieza con una octogenaria Thatcher, magníficamente interpretada por Meryl Streep, solitaria, aquejada de demencia senil, confundida y acompañada por sus recuerdos.

Los episodios más importantes de la carrera política y la vida de Margaret Thatcher, son relatados en este filme con un ritmo que atrapa al espectador de principio a fin. La actuación de Meryl Streep en el papel de Thatcher es extraordinaria, aunque por momentos se desliza un cierto disfuerzo, no sucede esto en las escenas de la actual Margaret, aquejada por los males de la senectud, en donde vemos a una Streep irreconocible, completamente metida en la piel de la Dama de Hierro, logrando una magnífica caracterización.

Esta es una película que no debe pasar por alto, por los datos históricos que presenta y para no olvidar la figura de una verdadera mujer de hierro, un ser humano con aciertos y errores, una persona que vivió de acuerdo a sus convicciones y que aún hoy a sus 87 años sigue luchando batallas para conservar su lugar en este mundo.

cine, Historias cruzadas

“Una historia atemporal y universal acerca de la capacidad que tienen los seres humanos de generar cambios”

Es difícil pensar, en nuestra generación, que alguna vez existió tanto ensañamiento e indiferencia hacia las personas solo por tener un diferente color de piel. Historias cruzadas (The help), retrata la triste realidad de las personas de color que eran tratadas casi como esclavas en la década de los sesenta. La película cuenta la historia de dos domésticas del estado de Mississippi (Viola Davis y Octavia Spencer), que cuentan la verdad sobre lo que significa estar al servicio de familias de blancos, a veces por generaciones enteras, soportando muchas veces el maltrato de estas.

Sus relatos no son los únicos, con ayuda de una joven escritora (Emma Stone) convencen a muchas más para contar sus historias y así nos dejan un retrato de aquella época que marcó importantes cambios.  Las narraciones no son todas crueles, hay algunas que dejan ver el triunfo de la tolerancia que acabó con la irracionalidad del pasado.  El filme, adaptado de un best seller, cuenta con entrañables actuaciones que bien merecidas tienen las nominaciones y premios ganados.



Viola Davis en una sorprendente interpretación.



Esta película está hecha con sentimiento, aunque por momentos se siente un poco plana, tiene muy buenos momentos que justifican derramar algunas lágrimas.

cine, Tan fuerte, tan cerca

El cine es un arte para entretener a las personas, también es una forma de inculcar valores y retratar la vida…al margen de las críticas que ha recibido esta película, no se puede negar que es una historia que llega al corazón.

Los episodios que se escribieron a partir del atentado del 11 de setiembre 2001 a las torres gemelas son todos tristes, la tragedia que indignó al mundo es abordada en esta película en el personaje de Oskar Shell (Thomas Horn), un niño de nueve años que sufre la pérdida de su padre en aquel atentado terrorista.  Sufrimiento que tiene varios agravantes que justifican por momentos su exagerada histeria.

Todo es felicidad en la vida del pequeño Oskar, de espíritu creativo, aventurero y vivaz personalidad; tiene en el apoyo de su padre Thomas Shell (Tom Hanks) el incentivo suficiente para descubrir lo que hay en el fondo de las cosas, lo que otros no ven, le enseña a no rendirse, a no conformarse como lo hizo él en algún momento.

La muerte de su padre en las torres gemelas marca un poderoso quiebre en la vida de Oskar, que de pronto se ve vacía pero llena de culpa por una llamada que su padre le hizo segundos antes de morir y que no tuvo el valor de atender. Un año después, con el descubrimiento de una misteriosa llave que encuentra entre las cosas de su padre, se aventura en la búsqueda de una cerradura donde calce, porque sólo así siente su cercanía.

Sin saberlo Oskar es ayudado por su madre Linda Schell (Sandra Bullock) y acompañado por su abuelo T. Shell (un magnífico Max Von Sydow), recorre todo Nueva York, aprende a enfrentar sus miedos, conversa con muchas personas, todas completamente desconocidas para él, pero con quienes establece un vínculo de esperanza. Finalmente su búsqueda termina con un inesperado resultado.

La película es melancólica, triste pero muy inspiradora…

Todos emprendemos, alguna vez en nuestras vidas, búsquedas que muchas veces pensamos no nos van a conducir a nada; pareciera que buscamos en vano. Pero, aún sin esperarlo, siempre nos van a conducir a algo, aunque no siempre sea lo que pensamos.

cine, Los descendientes

La vida puede darnos un vuelco inesperado a partir de un suceso. En Los descendientes, filme dirigido por Alexander Payne y protagonizado por George Clooney, el personaje principal es víctima de una serie de emociones que tiene que enfrentar para mantener la ecuanimidad en su vida. La película empieza narrada por Matt King (Clooney) quien, inesperadamente vuelve a su hogar, luego de una voluntaria ausencia, para afrontar el estado de coma en que ha quedado su esposa tras sufrir un accidente, pero eso no es todo lo que asumirá, tiene que cuidar también de sus hijas: una precoz niña de diez años y una rebelde adolescente de 17, debe encargarse de la venta de un terreno heredado a sus antepasados en Hawai y, lo que marca el ritmo de la película, tiene que encarar la insospechada infidelidad de su esposa.

A partir de allí, se desenvuelve una narración tranquila pero movida por los roles de sus protagonistas quienes actúan de forma impredecible; Alexandra, la hija mayor de Matt descubre casualmente la infidelidad de su madre y la revela a su desconcertado padre, ambos se hacen cómplices de un plan para encarar al amante e inician una búsqueda que los ayuda a desvanecer sus diferencias y hacer frente la próxima muerte de la madre, perdonando y arrepintiéndose de cosas que hicieron y otras que dejaron pasar.

Y eso les deja una enseñanza que marcará las decisiones que tomen de allí en adelante, ocurre en ellos una silenciosa reflexión sobre las cosas que tienen que hacer, cuestionándose si son las más adecuadas para todos. La película tiene claves escondidas y envuelve al espectador haciéndolo cómplice de las decisiones de Matt; la atmósfera en que se desarrolla nos revela un Hawai más cotidiano, una ciudad que se muestra ante nuestros ojos como nunca antes la habíamos visto.

La actuación de Clooney es natural como debe ser la de todo buen actor, naturalidad que contagia al resto del elenco, como sucede con todas las películas en que aparece.

Es una buena película, sin muchas ambiciones, una historia para todos los tiempos.

ópera, El ocaso de los dioses

Gotterdammerung (El Ocaso de los Dioses)

Un amor traicionado por el engaño y el rencor de un hombre renegado que, buscando venganza, desata el odio de una mujer que acaba con la vida de su amado y encuentra la redención en el fuego, junto a él.

Amor, traición, venganza, engaño, ambición, odio…todos los sentimientos están presentes en esta ópera con la que concluye la tetralogía del Anillo de los Nibelungos, cuatro óperas compuestas por el inmortal Richard Wagner entre 1848 y 1872.  Dos siglos después el MET vuelve a presentarnos el ciclo completo: El oro del Rin, La Valkiria, Sigfriedo y Gotterdammerung (El ocaso de los dioses)

El sábado 11 de febrero, se realizó la transmisión en directo desde Nueva York del Ocaso de los Dioses, en la sala 6 del UVK Larcomar, el auditorio casi lleno sintió en la piel el drama de Brunilda y Sigfrido, protagonistas de la ópera, quienes en casi seis horas de duración fortalecieron y le pusieron fin a su inmortal historia de amor. El reparto principal Jay Hunter Morris (tenor) y Deborah Voigt (soprano) interpretaron con mucha pasión sus roles. Sigfrido el valiente e inocente héroe, víctima del cruel destino que, años atrás dioses y nibelungos escribieron para él, calzó perfecto en la voz y fisionomía de Hunter, su actuación fue bastante correcta y se me hizo entrañable.

En cambio Deborah Voigh me pareció muy controlada salvo en las escenas con Waltraute (Waltraud Meier) su hermana valkyria, quien le suplica ayuda para salvar a los dioses y, clamando venganza contra Sigfrido; en ambos momentos su entrega y pasión fueron admirables. Quizá su control se deba a la característica del personaje de Brunilda: la transición de una inmortal diosa valkiria en una mujer que descubre por primera vez el amor y la pasión, no por nada Deborah Voigt es considerada una de las mejores intérpretes wagnerianas.

Brunilda: “El fuego de mi amor arderá para siempre en tu corazón”

La historia va así: luego de que Brunilda se entrega a Sigfrido, ambos hacen un juramento de amor y fidelidad eterno, sellado por el anillo de oro que Sigfrido le entrega. El héroe parte a vivir nuevas aventuras, pero es víctima del odio de Hunter, el heredero de los nibelungos, que busca recuperar el anillo forjado con el oro que su padre Alberich robó a las hijas del Rin.

Hunter persuade a Gunther y a su hermana Gutrune, monarcas guibichungos, de engañar a Sigfrido, le entregan una pócima con la que olvida el juramento hecho a Brunilda y se enamora de Gutrune, lo convencen de buscar a Brunilda y llevarla al palacio para desposarla con Gunther. Allí, Brunilda descubre a los nuevos enamorados Gutrune y Sigfrido, le cuenta a todos que ella era esposa de Sigfrido, este lo niega, ella enloquecida de celos y por la explicita traición, clama venganza y revela a Hunter la debilidad de Sigfrido, para que este acabe con su vida.

El malvado Hunter hace que Sigfrido recupere su memoria dándole a beber una poción, cuando recuerda a Brunilda es herido por la lanza de Hunter que le atraviesa el corazón por la espalda, causándole la muerte. De rodillas junto al cadáver de Sigfrido, Brunilda clama que lo acompañará en la otra vida, recupera el anillo, monta a Grane, su leal corcel y se entrega al fuego que calcina a su amado en la orilla del Rin. Del cuerpo calcinado de Brunilda, las hijas del Rin recuperan el anillo de oro y vuelve la paz.

Casi veinte años le tardó a Wagner componer la tetralogía completa, en casi veinticinco horas, generaciones enteras vuelven a apasionarse con esta historia de amor, Wagner se ganó el título de padre de la ópera dramática y nosotros, quienes lo admiramos, ganamos el placer de revivir una y otra vez la historia de amor cantada más hermosa del mundo.

Meritorios

La dirección de la orquesta del MET a cargo de Fabio Luisi y cada uno de sus músicos, los intérpretes Gunther (Iain Paterson), Gutrune (Wendy Bryn Harmer), Hagen (Hans-Peter König), Waltraute (Waltraud Meier), Alberich (Eric Owens), las Nornas (Maria Radner, Elizabeth Bishop, Heidi Melton y las hijas del Rin (Erin Morley, Jennifer Johnson Cano y Tamara Mumford)

Inolvidables

La escenografía, la puesta en escena y las melodías que acompañan los principales momentos de la ópera.

Escena final de Gotterdammerung, Brunilda y Sigfrido unidos en la eternidad con fuego y amor.

Próxima recomendada

La Traviata, de Giuseppe Verdi, el sábado 24 de abril 2012, una verdadera joya de la ópera, arias inolvidables, amores prohibidos, no deben perdérsela. Entradas a la venta en la boletería del uvk S/60.00.